Arte De China

Geográficamente los límites de la antigua China eran: Al norte el Desierto de Gobi y Mongolia; al sur el Mar de China y las Selvas de Indochina, el este el Mar amarillo y el Mar de China, mientras que al oeste, las montañas del Tíbet y el Turquestán. En cuanto a la forma de gobierno a partir del año 2200 a.C. se dio una alternancia gubernamental en el poder del imperio lo que dio lugar a distintas dinastías. La primera de ellas fue la dinastía Hsia, a partir de la cual se sucedieron períodos de unificación y fragmentación. En el año 221 a.C., el rey Quin Shi Huang, fundador de la dinastía Quin, se proclamó emperador y unificó bajo su mando toda China. Antes de él se dieron tres grandes periodos en la antigüedad china como fueron el de Los tres Augustos y los cinco emperadores, la Dinastía Shia, la Dinastía Shang y por último la Zhou que como hemos apuntado precedieron a la gran dinastía Quin. Las dinastías posteriores e ella ampliaron los territorios y cimentaron el esplendor de China, aunque también hubo períodos de decadencia y de invasiones extranjeras.

La sociedad china tradicional estaba fuertemente jerarquizada. En la cúspide de la pirámide social se encontraban los miembros de la familia imperial junto a la poderosa clase de los mandarines, funcionarios letrados que controlaban el gobierno. Por debajo de ellos se encontraban una minoría de comerciantes y artesanos, y, por último, el campesinado.

Culturalmente China alcanzaría un desarrollo espectacular a partir del siglo V a.C. Como ejemplo citaremos al filósofo Confucio que predicó la necesidad de formar un grupo de caballeros virtuosos que dirigiera el país y que a la vez sirvieran de ejemplo al pueblo. La doctrina religiosa del taoísmo buscaba la vuelta a la sociedad agrícola primitiva como forma de vida más natural.

En el campo de las artes, el territorio chino destaco, no sólo en la arquitectura y escultura, sino que la porcelana y la seda, ambas utilizadas para fabricar artículos suntuarios, tienen su origen también durante aquellos decenios. La porcelana se creó durante la dinastía Chang en el segundo milenio a. de C. Mientras que los antiguos métodos eran primitivos, la fabricación de porcelana avanzada fue posible gracias al desarrollo de hornos especializados que podían cocer caolín, un tipo de arcilla blanca, a temperaturas de alrededor de 1.200 grados, para obtener un material duro y sin poros. La primera verdadera porcelana fue producida durante la Dinastía Tang, cuando los alfareros chinos aprendieron a controlar el contenido de hierro que reduce la interferencia del color, dando por resultado la blancura. La fabricación de la porcelana fue finalmente dominada durante la Dinastía Ming y, la de alta calidad, se exportó a Japón y a Europa.

La seda se obtenía a partir de cultivos de gusanos, o sericicultura siendo fechada hacia el año 2.700 a. de C. La leyenda cuenta que la Emperatriz Si Ling Chi descubrió la seda, cuando un capullo de la polilla del gusano de seda cayó desde un árbol de moras dentro de su té. 

La cultura China fue la primera en utilizar tinta para escribir y se estima que habría sido inventada hace 4.500 años atrás, siendo las primeras realizadas de pigmentos negros que obtenían del humo; el papel también es de origen chino y fue inventado en la dinastía Han realizándose con una mezcla de fibras de bambú, cortezas de árbol y agua.

Las primeras manifestaciones de caligrafía china se encuentran sobre huesos pertenecientes a la Edad de Bronce, durante la dinastía Shang, del siglo XVII al XI a.C. Mientras que los primeros pictogramas que se descubren son imágenes simples que permiten apreciar un vocabulario extenso al conceptualizarse objetos concretos y abstractos mediante la combinación de unos pictogramas con otros. Por otro lado las ideas complejas se obtienen mediante la unión de dos o más símbolos. Se descubre así que el concepto de "Hombre" (Ren) en combinación con el concepto de "Árbol" (Wu) significa "Descansar" - Xiuxi. La escritura china, los ideogramas, no son signos que representan fonemas: Los signos del sistema de escritura chino no representan sonidos sino conceptos. Es decir, el signo tiene naturaleza conceptual, de significado y no guarda relación directa con el sonido.

Los origines de la pintura tradicional se remontan a las más tempranas épocas de la antigüedad. Podemos decir que las obras anteriores a la dinastía T'ang, en el periodo 618-907, son dibujos de líneas producidos por personas que se dedican a otras actividades. Durante la primera mitad de la dinastía T'ang, el paisaje y las pinturas que representaban flores y pájaros comenzaron a ganar importancia. Los cuadros con montañas, bosques, campos y jardines nos permiten evadirnos de este mundo y penetrar en el reino de la paz y la tranquilidad. También son muy admirados los árboles, piedras, praderas, flores pájaros y otros animales que aparecen en las pinturas, dotadas de gran viveza y energía. Así pues, las tres categorías principales de la pintura tradicional china serían el paisaje, flores y pájaros junto a las representaciones de figuras humanas durante la primera época.

Otro tipo de arte, al que podríamos incluir dentro de las artes decorativas será el desarrollo del mueble tradicional que evolucionó de la simplicidad a la complejidad y estuvo estrechamente ligado al estilo de vida y a los cambios económicos y culturales de China a lo largo de su historia. Con anterioridad a la dinastía T'ang, lo más frecuente era que los chinos se sentasen en el suelo sobre esterillas de paja. Tras el período de los Reinos combatientes (475-221 a. de C.), comenzó a generalizarse el uso de camas y sofás como asientos. En tiempos de la dinastía Wei-Chin (220-420) y de las dinastías del norte y del sur (420-589), comenzaron a penetrar en China las sillas de estilo occidental, las sillas de tijera y otros tipos de asientos. A partir de este momento, los asuntos cotidianos de los chinos pasaron a decidirse desde sillas en lugar de desde el suelo, con las piernas cruzadas.
Los muebles Ming destacaron por su línea sencilla, uniforme, sin rupturas y por su decoración parca y elegante, todo lo cual tiende a realzar sus magníficas características de construcción. Durante la dinastía Ch'ing, debido a la influencia del floreciente comercio exterior chino y al avance de las técnicas artesanales, se pasó a una decoración rica y compleja que incluía tallados. A causa del gran desarrollo del mueble chino con las dinastías Ming y Ch'ing, la mayor parte del diseño actual de muebles chinos permanece dentro de esta línea artesanal.

La arquitectura china se entiende como un estilo de arquitectura que ha tomado forma en el este de Asia durante muchos siglos, la cual es compartida con países vecinos. Los principios estructurales de la arquitectura china se han mantenido prácticamente sin cambios, siendo los cambios principales los acaecidos en las artes decorativas. A partir de la dinastía Tang, la arquitectura china ha tenido una gran influencia en los estilos arquitectónicos de Corea, Vietnam y Japón. Más de la vasta zona de Turkestán a Japón, desde Manchuria hasta la mitad norte de la Indochina francesa, el mismo sistema de construcción es frecuente. De todas las fuentes de información, literarias o gráficas, existe una fuerte evidencia que acredita el hecho de que los chinos siempre han empleado un sistema autóctono de la construcción que ha mantenido sus principales características, desde la prehistoria hasta la actualidad.

El chino es el único sistema arquitectónico cuyas estructuras son principalmente de madera, lo que es un reflejo de la ética del país, su criterio estético y el valor que da a la naturaleza. Son construcciones que se basan en profundas tradiciones culturales y así, en ella destaca la ideología de la superioridad del poder imperial y su compacto sistema de clases. El desarrollo de las arquitecturas antiguas de China experimentó tres momentos de apogeo durante las dinastías Qin y Han, Sui y Tang, y Ming y Qing. En estos tres períodos surgieron numerosas construcciones representativas, como palacios, mausoleos y tumbas, obras de defensa e hidráulicas. El paso del tiempo y las guerras se cobraron muchas construcciones antiguas, siendo la mayoría de las que se conservan posteriores a la dinastía Tang del siglo VII.

La escultura en piedra se inició como majestuosa y representativa decoración de los caminos funerarios de las tumbas imperiales en la dinastía Han. Grandes animales reales y mitológicos, representación de los estamentos sociales -letrados, militares, extranjeros, etc.- fueron los temas elegidos para dignificar el poder. De todo ello son muestra las esculturas que flanquean el camino de los espíritus de las dinastías Han, Tang y especialmente las tumbas Ming, así como la escultura representativa de los palacios imperiales.

Arte De Grecia

Las primeras esculturas griegas (siglo IX a. C.) fueron pequeñas figuras humanas hechas en materiales muy maleables tales como la arcilla, el marfil o la cera. No fue hasta el período arcaico (siglos VII y VI a. C.)que los griegos comenzaron a trabajar la piedra. Los motivos más comunes de las primeras obras eran sencillas estatuas de muchachos (kouros) y muchachas (korés). De formas lisas y redondeadas, estas figuras plasmaban en la piedra una belleza ideal.

Estas figuras guardaban una gran similitud con las esculturas egipcias que habían servido de modelo. Con la llegada del clasicismo ( siglos V y IV a. C. ), la estatuaria griega fue tomando un carácter propio y abandonó definitivamente los primitivos patrones orientales. Gracias al estudio de las proporciones se pudo copiar fielmente la anatomía humana y los rostros ganaron definitivamente en expresividad y realismo.

Se introdujo el concepto de "contrapposto", posición por la cual la escultura se apoyaba totalmente sobre una pierna, dejando la otra libre, y el principio del dinamismo cobró forma en las representaciones de atletas en plena acción. Algunos de los grandes artistas del clasicismo fueron Policleto, Mirón, Praxiteles y Fidias, aunque tampoco se puede dejar de mencionar a Lisipo, que intentando plasmar las verdaderas facciones del rostro, logró los primeros retratos.

Durante el período helenístico (siglo III a. C.) se enfatizaron y sofisticaron las formas heredadas del clasicismo. Así, producto de esta recepción, surgieron obras de inigualable monumentalidad y belleza, como "El Coloso de Rodas", de treinta y dos metros de altura. Cabe aclarar, que tanto por su función religiosa como decorativa, la escultura se hallaba estrechamente ligada a la arquitectura. Así lo evidencian los trabajos estatuarios de las fachadas, columnas e interior de los templos.

Arte de la india

La India fue el único territorio localizado en el Oriente, que griegos y romanos conocieron, siempre rodeado de un halo hacía de él como una tierra misteriosa. Después de la expedición de Alejandro, se comentaron en Grecia las maravillas de los hombres de ciencia que acompañaron al gran conquistador y a ello se debieron en Europa las primeras noticias positivas acerca de los pueblos hindúes, tres siglos antes de Jesucristo. Por su parte, los relatos de los peregrinos chinos que después visitaron los santos lugares del budismo contribuyeron a divulgar por el Extremo Oriente los conocimientos acerca del país y del arte hindú, que a través de misioneros budistas había entrado en China en el siglo II a.C.

La finalidad primordial del arte indio antiguo no es conseguir resultados meramente estéticos, sino facilitar la contemplación religiosa, ya sea por medio de símbolos, o valiéndose de formas sensibles y sensuales, que forman parte, de composiciones de un animado estilo narrativo, en el que a veces esconde la intención religiosa bajo la capa de una apariencia de dinamismo o aun de erotismo. Todo de acuerdo con una teoría de la belleza que es muy diferente de la que se manifiesta en la mentalidad occidental.

En cuanto a la prehistoria la India cuenta con un prolongado estilo artístico que, en líneas generales coincide con el de Próximo Oriente y sur de Europa, y que en el sur del Deccán no conoció la Edad del Bronce y se prolongó hasta mediados del I milenio a.C. dejando vestigios de un arte megalítico autóctono.

La zona de irradiación de la Cultura India será extensísima, abarcando un área que no se circunscribe a la India y a Ceilán, sino que comprende asimismo el territorio del actual Afganistán y gran parte del Beluchistán, en el transcurso de los siglos ha informado el arte de la dinastía Khmer, durante los siglos X al XII, en la Indochina, y ha trascendido a Birmania, Tailandia e Insulindia, influyendo también en el arte tibetano y en el de China, Corea y Japón.

Los fundamentos geográficos de la India le confieren un espacio que marcará la idiosincrasia de sus formas estéticas. La India es un subcontinente en el que las fuerzas de la naturaleza se despliegan con potencia y en el que el clima tropical hace crecer una vegetación extraordinaria. Por ello elementos como, bosques de palmeras, lianas y bambúes despliegan su extraña belleza, y sobre la superficie de las aguas florecen lotos blancos, rosas y azules, toda una diversidad de formas y colores que sin duda influirán en las manifestaciones artísticas creadas por los habitantes de este subcontinente.

En el primer piso, las casas tenían una conexión con el alcantarillado de la ciudad y también un desagüe que evacuaba el cuarto de baño. Los muros de adobe, además, poseía un complejo sistema de drenaje para evacuar las aguas lluvias.
En el campo del arte, los indios se caracterizaron por desarrollar imágenes de los diversos dioses y por el gusto de adornar coloridamente el cuerpo; utilizaban gemas coloreadas, aretes y zarcillos, y joyería con diseños que incorporaban lunas en cuarto creciente, discos solares, arcos, cúpulas y deidades con aureolas. En cuanto a su artesanía trabajaron los tejidos de algodón y alcanzando grandes avances en la metalurgia.

La escultura iniciada en estas dos ciudades es digna de mención con vestigios importantes como bustos de ancianos con barba y torsos juveniles que, junto a un concepto completamente clásico de la escultura humana, demuestran un envidiable dominio del modelado. Destacaremos como ejemplo la figura de bronce de una joven danzarina desnuda, con una gran cabellera y el brazo izquierdo lleno de anchos brazaletes, que fue hallada en Mohenjo-Daro. Tanto en Harappa. En Mohenjo-Daro han llegado hasta nosotros sellos grabados hallados en abundancia, con figuras de animales (rinoceronte, toro, elefante, etc.), que demuestran la existencia de una escritura, cuyos signos no se han logrado descifrar.

Esta cultura del Indo desapareció hacia el año 1500 a.C., coincidiendo con la llegada de los pueblos indoeuropeos. Éstos provienen de un movimiento de poblaciones de las estepas euro-asiáticas, que desembocaron por oleadas sucesivas en las costas norte del Mediterráneo, recibiendo en Gracia el nombre de dorios y en el Oriente Medio hititas. En la India, donde penetraron por los pasos del noroeste, desplazaron a las poblaciones autóctonas hacia el sur. Socialmente estos pueblos, que se denominaban a sí mismos arya, en sánscrito "noble", estaban divididos en castas: brahmana (sacerdotes), kshatriya (guerreros) y vaisya (hombres corrientes, ganaderos y agricultores). Frente a estos tres grupos estaban la Sudra, despreciados y humillados como esclavos.

Desde la destrucción de las ciudades del Indo hasta el siglo III a.C., prácticamente no se ha encontrado nada en la India. Se trata de un vacío en la historia del arte que resulta muy difícil de cubrir y del que no se puede extraer más que conjeturas de difícil comprobación. Sin embargo, ese milenio largo sentó los principios fundamentales del hinduismo y es conocido como período védíco a causa de las cuatro grandes colecciones de himnos, oraciones, fórmulas rituales y hechizos mágicos que reciben el nombre de Vedas. El término se aplica a las cuatro colecciones (samhitas) de himnos y oraciones compuestas con diferentes propósitos rituales: el Rig-Veda, el Sama-Veda, el Yajur-Veda, y el Atharva-Veda. De éstos, sólo los primeros tres fueron considerados originalmente como canónicos; el cuarto obtuvo esta posición tras una gran lucha. Estas recopilaciones son desconcertantes para Occidente ya que, a diferencia de las otras literaturas sagradas de las grandes religiones, no mencionan acontecimientos históricos.

Más adelante, ya en el siglo VI a.C., aparecieron en el norte de la India dos fenómenos religiosos heterodoxos: el Budismo y el Jainismo. El primero fue fundado por el príncipe Siddharta, llamado el Buda (el Iluminado), que rechazó radicalmente el sistema de las castas y enseñó que la aceptación de la vida y el dominio sobre sí mismo son más importantes que la fe. Por tanto, suponía el reverso de lo que propugnaba el brahmanismo, en el que el núcleo de la sociedad debía ser el sistema de castas y, por tanto, el ejercicio del poder para mantener dicha estructura.

Arte rupestre

Se conoce como arte rupestre a los rastros de actividad humana o imágenes que han sido grabadas o pintadas sobre superficies rocosas.

En su paso por el mundo, el hombre ha dejado plasmadas en cuevas, piedras y paredes rocosas, innumerables representaciones de animales, plantas u objetos; escenas de la vida cotidiana, signos y figuraciones geométricas, etc., obras consideradas entre las más antiguas manifestaciones de su destreza y pensamiento. Antes del desarrollo de la escritura, las sociedades humanas posiblemente registraban ya, mediante la pintura y el grabado en piedras, una gran parte de sus vivencias, pensamientos y creencias.

Expresadas de una manera muy sintética, estas manifestaciones son el reflejo de la capacidad intelectual de la humanidad para abstraer y representar su realidad.

Su denominación como “arte” no significa que se trate de objetos artísticos en los términos y con las finalidades con que hoy los entendemos desde nuestra cultura occidental. Ésta es sólo una más de las formas como se ha intentado definir su significado. Lo “rupestre” hace referencia al soporte en que se encuentra (del latín rupe: roca). Quizás sea más indicado el término manifestaciones rupestres, pues la palabra “arte” implica darle un sentido que no necesariamente coincide con el que le dieron sus ejecutores.

Descubrimiento del Arte Rupestre en Europa

Hasta mediados del siglo XIX en Europa, se habían encontrado en algunas cuevas, numerosos objetos “prehistóricos” elaborados en piedra o hueso con representaciones talladas de animales; pero no fue sino hasta 1879 cuando se descubrieron las primeras pinturas rupestres. Marcelino Sanz de Sautuola, junto con su pequeña hija María, hallaron en el techo de una cueva en Altamira (Santander, España), un excepcional conjunto de bisontes multicolores.

A este hallazgo, que fue presentado ante la comunidad científica en 1880, se le negó en un principio su autenticidad, pues se consideraba que este tipo de representaciones no correspondían con la primitiva capacidad técnica y mental que, se creía, poseía la sociedad prehistórica. Sin embargo, este panorama cambiaría totalmente gracias a posteriores hallazgos de otros sitios rupestres en España y Francia. Uno de los principales detractores de Sautuola, el francés Cartailhac, terminó por aceptar el descubrimiento con la publicación de un artículo titulado Mea culpa de un escéptico. A partir de entonces, la comunidad científica no ha descansado en la búsqueda y el estudio de manifestaciones rupestres alrededor del mundo.

¿Qué es una pictografía?

Las pictografías (del latín pictum: relativo a pintar, y del griego grapho: trazar) son grafismos realizados sobre las rocas mediante la aplicación de pigmentos.

Estos pigmentos se aplicaron con los dedos (pintura dactilar) o con algún instrumento a manera de pincel. En muchos sitios rupestres es posible reconocer la impronta de los dedos o de la mano completa, lo que sugiere una aplicación directa del pigmento; pero también se advierten trazos muy finos o, por el contrario, áreas muy grandes, que debieron ser realizadas con algún instrumento (pinceles o hisopos). También existe un tipo especial de pintura que se denomina negativa y que se realizó soplando desde la boca el pigmento pulverizado sobre un objeto (por ejemplo, la mano), dando como resultado una imagen de su contorno.

Arte musical

Es el arte de organizar sencible y logicamente una combinacion coherentes de sonidos y silencios utlizando los principios fundamentales de la Melida,la Armonia y el Ritmo mediante la intervencion  de complejos procesos Psico-animicos.El concepto de Musica a ido evolucionando desde su origen en la antigua Grecia,En que se reunia sin distinción a la poesia,la musica y la danza como arte unitario.Desde hace varias decadas se ha vuelto mas compleja la definicion de que es y que no es la musica,ya que destacados compositores,en el marco de diversas experiencias artisticas fronterizas,han realizado obras que si bien podrian considerarse musicales,expanden los limites de la definicion de este arte.


La musica como toda manifestacion artistica,es un producto cultural.El fin de este arte es suscitar una experiencia estética en el oyente,y expresar sentimientos,circunstancias,pensamientos o ideas.La musica es un Estimulo que afecta el campo perceptivo del individuo;asi,el flujo sonoro puede cumplir con varias funciones(entretenimiento,Comunicación,Ambientación,etc).


La Musica esta compuesta por dos elementos basicos:Los sonidos y los silencios.

El Sonido: Es la sensacion percibida por el oido  al recibir las variaciones de preción generadas por el movimiento Vibratorio de los cuerpos sonoros.Se transmite por el medio que loes envuelve,que generalmente es el aire de la atmosfera.La ausencia perceptible de sonido es el silencio,Aunque es una sensacio relativa ya que el silencio absoluto no se da en la naturaleza.

El Silencio: tiene cuatro parámetros fundamentales.

La altura: es el resultado de la frecuencia que prodice un cuerpo sonoro.

La duración: corresponden al tiempo que duran la vibraciones que produce un sonido.

La Intencidad: es la fuerza con la que se produce un sonido.

El timbre: es la cualidad que permite distinguir los diferentes Instrumentos o Voces a pesar de que esten produciendo sonidos con la misma altura.

Arte Egipcio

El arte egipcio es mejor conocido que el de otros pueblos de la Antigüedad. Ello es debido esencialmente a dos hechos: las creencias religiosas de ultratumba (se han conservado numerosos enterramientos) y al empleo de piedracomo material en la construcción de sus edificios religiosos y funerarios (templos y tumbas), lo que les ha conferido una gran solidez y durabilidad.

El arte egipcio no es un arte independiente o autónomo sino que está vinculado continuamente al faraón, es decir a la religión que existía en la época.La religión es un factor fundamental de la cultura y el arte egipcio. Se trata de una religión con muchos dioses, es decir politeísta, pero con tendencia al monoteísmo ya que en cada pequeña región se rendía culto principalmente a uno y de forma secundaria a los demás.

Las formas de expresión de los egipcios están siempre supeditadas a unas normas, se trata de un arte estereotipado en el que se valora más la precisión y perfección del acabado que la propia originalidad. Por eso que sea bastante monótono y homogéneo. Además, este arte tiene un gran sentido mágico y simbólico.

estas son unas imagenes del arte egiptico

Arte Gotico

El Arte gótico es un  estilo artístico europeo con unos límites cronológicos que encontramos aproximadamente entre el año 1140 y las últimas décadas del siglo XVI, según las áreas geográficas.Se aplicó en el campo de la arquitectura civil y religiosa, la escultura, las vidrieras, la pintura mural y sobre tabla, los manuscritos y las diversas artes decorativas.

El término gótico fue empleado por primera vez por los tratadistas del Renacimiento, en sentido peyorativo, para referirse al arte de la edad media, al que ellos consideraban inferior y bárbaro (godo, de ahí el término gótico) comparado con el arte clásico.

En el siglo XIX se produjo una revalorización de este periodo debido a movimientos historicistas y románticos. El gótico apareció a continuación del románico, a lo largo de la baja edad media, y hoy día se considera uno de los momentos más importantes desde el punto de vista artístico en Europa.

El estilo gótico encontró su gran medio de expresión en la arquitectura. Surgió en la primera mitad del siglo XII a partir de la evolución de precedentes románicos y otros condicionantes teológicos, tecnológicos y sociales. La arquitectura gótica perduró hasta bien entrado el siglo XVI en diversos países europeos como Inglaterra, mucho después de que el estilo renacentista hubiera penetrado en otros campos artísticos. Las mayores realizaciones del gótico se manifestaron en el terreno de la arquitectura religiosa. 

En contraste con la arquitectura del románico, cuyas características esenciales son los arcos de medio punto, las estructuras macizas con escasos vanos y las bóvedas de cañón o arista, la arquitectura gótica empleó el arco apuntado, agujas, chapiteles y gabletes, reforzando el sentido ascensional que pretende transmitir el edificio, amplios vanos con tracerías caladas para conseguir la máxima luminosidad y estructuras reducidas al mínimo.